Je suis ressorti de la représentation de ce jour épuisé émotionnellement ; comme il se doit lors de toute confrontation au harcèlement provoqué par une exécution d'Elektra. Ma première réaction face aux ovations gigantesques reçues par tous cet après-midi a été de penser que la critique n'avait pas tort de parler de réaction cathartique du public. Dit autrement, je suis persuadé qu'une grande part du délire du public le rideau tombé était plus due à la force de l'œuvre qu'au pouvoir de conviction de l'interprétation, bonne au demeurant.

Que dire de la mise en scène de Hartmann? Celle-ci serait d'une platitude totale ne seraient les fautes de goût d'un ridicule consommé qui parsèment ci et là une production qui s'illustre surtout par sa quasi-absence de direction d'acteurs et d'idées fortes. Les quelques idées issues de la direction d’acteurs sont parfaitement grotesques : Chrysothemis tape de son talon-aiguille sur la marche où est assise Elektra, Elektra déroule à terre comme un vulgaire tapis une Klytemnestra préalablement drapée du voile ensanglanté dont jamais Elektra se sépare, sainte relique de l’assassinat d’Agammemnon… Plus nuisible encore, les personnalités de Klytemnestra, Chrysothemis et Orest sont allègrement violées par les contresens les plus flagrants. Strauss avait rappelé la noblesse et l'humanité nécessaires à Klytemnestra : tous les torts dans ce mariage ne sont pas nécessairement là où l'opéra, tranche limitée de l’histoire des Atrides, le suggère... Or qu'avons nous là? Une pouffiasse vieillissante émergeant à peine de la prise de substances psychotropes et débarrassée de toute trace la dignité la plus élémentaire ; la décadence de l’épouse d’Agamemnon est le point de vue d’Elektra assurément : cela n’en fait pas une vérité absolue. Que reste t-il de l'impact du drame si Elektra n'a qu'à affronter une reine déchue, falote, pauvre vieillarde qui eut quand même l'heur de tenir son salopard de mari solidement ancré pendant que son amant le hachait menu? Si Klytemnestra n'est qu'un être en déshérence, comment expliquer qu’elle ait pu rester assise sur le trône de Mycènes vingt ans durant après avoir assassiné le Roi des rois ? La force du drame réside entièrement dans la portée mythique de personnages plus grands que nature : le crime d’Orest, sa portée héroïque, est indissociable d’une Klytemenestra nécessairement redoutable. Ceci dit, on reconnaitra à Hartmann une certaine constance dans le contresens : son Orest, velléitaire et à peine pré-pubère, suinte l’angoisse, l’impuissance et la lâcheté. Il a beau refuser l’habit d’Agamemnon, on s’explique bien mal qu’il ait simplement pu soulever une quelconque hache et en faire usage… Le personnage de Chrysothemis, niaisement illustré, n’est guère mieux traité : privé de tout l’appel des sens qui caractérise le personnage et vient offrir le contrejour vital aux ombres des autres protagonistes, sa raison d’être tombe purement et simplement ; la sœur antithétique d’Elektra devient simple objet décoratif…

Je suis par curiosité ouvert aux relectures et angles d’attaque différents sur les grandes œuvres du répertoire. Pourtant, on ne peut leur faire tenir un discours strictement opposé à leur sens profond : la violation de la lettre se justifie à mon sens si elle illustre d’un éclairage nouveau ou différent l’esprit ou la force de l’œuvre. Ainsi, le lavomatic ou la structure métallique de la mise en scène, anecdotiques, m’apparaissent bien moins gênant que la suppression de tout impact dramatique et émotionnel à une œuvre aussi puissante que Elektra. Cet impact n’existe pour Elektra que dans les méandres inconscients du mythe, signifiants car psychologiquement crédibles et présenté dramatiquement avec l’évidence du grand théâtre : à refuser au drame sa dimension mythologique, on l’annule purement et simplement. Résumer un des grands mythes de l'histoire de l'Humanité à une sombre histoire bourgeoise de boulevard ne me semble pas un haut fait de gloire, vraiment.

La gloire de cette soirée est à chercher tout entière dans la direction musicale de Christoph von Dohnanyi, absolument somptueuse de bout en bout. La transparence absolue de l'orchestre, marque de fabrique du chef, est hypnotique: les détails et raffinements orchestraux se soulèvent les uns après les autres dans une beauté à couper le souffle. Dohnanyi sait tout autant imprimer un lyrisme fantastique à la partition, il dérouler un tapis musical d'une rare splendeur lors des retrouvailles de la sœur et du frère, et une tension exacerbée à un orchestre qui semble fait d'un seul souffle, souvent incendiaire , et d’une mobilité permanente; la dernière section de « Ich habe wie Feuer in der Brust » emporte comme rarement dans une salle d’opéra. La retenue des cordes et des cuivres n'enlèvent rien, et sublime même la tension d'un orchestre martelé avec une implacable rythmique. Cette retenue toute viennoise permet au chef de conserver des réserves de puissance qu'il sait relâcher judicieusement le moment venu : le finale était stupéfiant. Une très grande direction d'orchestre, peut-être la plus belle prestation orchestrale de la saison à l'ONP, et sans doute même, une des plus impressionnantes que l’on puisse entendre de nos jours dans une fosse d’opéra.

Sur le plateau, les chanteurs sont plus qu’honorables à défaut d’être vraiment mémorables. Eva-Maria Westbroek est splendide de moyens et de puissance, de timbre et de couleurs, et j'aurais aimé la voir aux prises avec une autre direction d’acteurs, tant la mise en scène la sollicite pour jouer le contraire de ce qu'elle chante ; qu’elle brille dans tel contexte n’est que plus remarquable, et indique très certainement une grande soprano en devenir. Felicity Palmer possède un timbre qui pourrait aisément fasciner dans le rôle, d’autant plus que les moyens sont encore très présents. Il manque pourtant la puissance expressive des plus grandes, celle qui permet en vingt minutes à peine de marquer l’esprit au fer rouge. Tout comme Westbroek, Palmer bénéficiera de toute mon indulgence, tant ce que lui demande Hartmann est idiot et saugrenu… J'ai d’ailleurs passé une bonne part de la scène de la confrontation les yeux rivés sur le chef et l'orchestre: bien plus que sur la scène, c’est dans la fosse que se jouait le drame à ce moment là. Jerry Hadley est un bon Aegisth, mais l'Orest de Marcus Brück est définitivement pâle et mince, sans grave ni charisme, très en deca des exigences d’un rôle qui demande avant tout fierté et noblesse.

Presque dix ans après ses triomphales et glorieuses Elektra du Châtelet avec Berlin et Barenboïm, Deborah Polaski reparaît dans un rôle où elle fut superbe. La voix n'a plus la solidité d'antan, c'est évident, et les années qui ont passé sur sa voix depuis les représentations du Châtelet ne l'ont pas laissée indemne. Certains aigus font l'objet d'un vibato prononcé affectant la justesse, et le souffle et la voix semblent parfois simplement lâcher. Il n'empêche que cette Elektra exhibe encore un médium somptueux, sonore et puissant. La cantatrice, même lorsque la voix vient sporadiquement à se déchirer, déploie en permanence un charisme purement vocal qui rend bien pâle Westbroeck et Palmer en comparaison. Ne se limitant aucunement à une puissance glorieuse, voila une Elektra qui ose les piani dès son monologue d'entrée, avant de distiller, lors du second avec Orest, un lyrisme et une tenue de la ligne digne des meilleures jugendlich , sans ne jamais rien sacrifier au texte si fondamental de Hugo von Hoffmansthal. La voix n'est peut-être plus à son sommet, mais l'Elektra de Polaski reste encore une expérience musicale et dramatique rare, ce qui pour tel rôle n’est pas un mince exploit.

Pour Dohnanyi et Polaski, mais également Westbroek, cette matinée se sera révélée fascinante et mémorable. Pour le reste, on oubliera vite.

Avant de commencer, la suite de l'affaire Gheorghiu. Van Kooten était annoncée sur le site Internet du Châtelet ce matin, en toute logique c'est donc Inva Mula qui a assuré la dernière. Le Châtelet aura réussi un sans faute, ayant annoncé pour toutes les représentations une autre chanteuse que celle qui aura finalement chanté le jour dit. Brossmann a tenu à prendre la parole avant le début de la représentation pour saluer Inva Mula qui chantait Antonia à Orange hier soir encore, et, je cite, "son vrai professionalisme qui contraste avec l'amateurisme de certaines Diva". Tonnerre d'applaudissements du public…

J'ai trouvé la production très agréable. Les décors d'Ezio Frigerio débordent de classe et de la petite pointe de raffinement décadent qui sied si bien au propos de la Rondine et à la musique du Maestro de Torre del Lago. Nicolas Joël offre beaucoup de choses à voir, beaucoup de vie et de mouvement, pour une mise en scène agréable et rafraîchissante. La direction musicale de Marco Armiliato est elle aussi bouillonnante et bien en place, et l'orchestre du Capitole, félicité par Brossmann au début pour la difficile alternance Cherubini-Puccini, à son niveau (habituel) de (grande) qualité.

Inva Mula a été accueillie par de multiples ovations, qui ont commencé dès le "Sogno di Doretta"... et ce n'était sûrement pas qu'en contre-réaction à la défection de Gheorghiu. La voix est superbe, conduite avec des phrasés d'une délicatesse rare, et les pianissimi ou sons filés pleuvent tout le long de la partition; si la voix est d'une taille relativement mesurée pour le rôle, elle franchit sans encombre la barrière de l'orchestre quand nécessaire. L'actrice est belle en scène, et, surtout, la chanteuse est très emouvante. Mula était très émue par ailleurs elle-même de son triomphe au rideau final.

Autre bonne surprise, le Ruggero de Giuseppe Filianoti dont je ne comprends pas qu'il ne fasse pas plus fantasmer... Parce qu'enfin voila un ténor italien haut d'une émission claire et sans scorie, sonore, avec un aigu étincelant et un vrai grave, élégant de surcroît et dans son chant et sur scène! Le duo du III avec Mula était tout simplement électrique! Une vedette en puissance, ce Filianoti, dont je vais désormais guetter les apparitions, parce que ténor pareil on n'en entend pas tous les jours. Annamaria dell'Oste est délicieuse en Lisette, et bien plus à sa place qu'en Glauce, Marius Brenciu est une autre belle surprise en Prunier, clair et élégant lui aussi, très vivant et sympathique de surcroît en scène, et Alberto Rinaldi assure son Rambaldo.

Une matinée épatante, et une des représentations les plus homogènes de la saison parisienne.

Encore un mot sur la Rondine que je n'avais pas vue depuis 15 ans, et pas entendue au disque depuis au moins 5 ans... et bien je vais ressortir mes CD! J'ai trouvé l'oeuvre étincelante, vivante, émouvante et en rien mineure. Sans parler du soulagement après ces dernières semaines partagées entre le goulag, les règlements de comptes chez les Atrides, les asiles psychiatriques ou les tréfonds de la passion de Tristan, de retrouver une comédie, certes amère, mais une comédie quand même, vivante et enjouée... et bien sûr la pâte orchestrale chaleureuse et caressante du grand Giacomo.

Le spectacle est toujours aussi laid en soi, rien à y faire... Le concept de Lev Dodin est assurément séduisant intellectuellement (raconter l'histoire à travers la folie d'Hermann), admirablement pensé, mais se prend les pieds dans le fait que cet ouvrage est le sommet du romantisme russe: privé de sa dimension poétique, fantastique et dramatique, tout tombe à l'eau et semble en contradiction permanente avec la musique, en plus du livret. La laideur du tout n'arrange rien. Et puis Dodin, non content de violer le style de l'oeuvre et son déroulement dramatique, viole jusqu'à la partition, fait quand même suffisamment rare pour être noté en ces temps où plus rien pourtant nous étonne dans les mises en scène. La Dame de Pique n'est plus en trois actes mais en deux parties, avec entracte en plein milieu du second acte, des répliques d'un rôle sont confiées à un autre rôle (la comtesse chante une partie de l'air de Tomski ou encore Lisa récite la lecture de la lettre pendant l'air d'Hermann) histoire de coller au concept du metteur en scène... bref, du viol au troisième degré, là où nous protestons quand même déjà souvent aux viols de premier degré.

La première saison de cette production reste comme un des sommets musicaux de l'ère Gall: en 1999, Jurovski dirigeait tout feu tout flamme rien moins que Galouzine à son sommet, Mattila, Keenlyside, Zaremba, Dernesch et Gerello. Autant dire que la distribution de 2005 n'offre plus les mêmes séductions: elle n'en reste pas moins très bonne. Vladimir Galouzine est certes moins assuré vocalement mais reste encore un Hermann majeur, absolument irrésistible d'intensité vocale, et le rôle lui colle à la peau aussi bien vocalement que dramatiquement: longues ovations bien méritées au rideau final. Ovations également pour Hasmik Papian, bien moins méritées, mais le public aime ses voix torrentielles… C'est indéniablement de qualité, mais il manque à la fois la sensibilité, l'émotivité et la fragilité de Lisa: les nuances sont absentes, le vibrato très présent, et la voix est peu gracieuse... bref, du fortissimo impactant certes, mais à mille lieues de Lisa, aussi bien vocalement que psychologiquement. Pour ses débuts en Eletsky, Ludovic Tezier déploie sa belle voix colorée et mordante avec grâce et musicalité: c'est excellent, mais pas pour autant fascinant non plus (ce qu'avait été à mon sens son Wolfram). Irina Bogatcheva a de beaux restes en Comtesse... ce qui n'est pas le cas de Nikolai Putilin en Tomski, qui m'a semblé ce soir usé jusqu'à la corde, particulièrement dans l'aigu tiré et blanc en constant combat avec la justesse (d'ailleurs il rate carrément le premier aigu de sa ballade du I).

L'orchestre de l'ONP continue à déployer les magnifiques sonorités auxquelles il nous habitue depuis le début de la saison, sous la baguette très musicale et fine de Gennadi Rozhdestvensky: les détails orchestraux sont magnifiques, en coup de griffe ici, en fine coloration là, et les atmosphères admirablement rendues. C'est superbe, et finalement très convaincant dramatiquement, malgré le choix de tempi assez lents. Les huées relativement sonores qui ont accueilli son arrivée sur scène lors des saluts finals me semblent relativement incompréhensibles, d'autant plus qu'il avait été longuement ovationné au début de la seconde partie. L'aurait-on confondu au rideau final avec le metteur en scène?

A revoir la mise en scène de Zambello, je l'ai plutôt trouvée efficace et sobre, et pour tout dire assez réussie, grâce en soit rendue principalement au décor. L'acte polonais façon Mortier, plongé dans l'obscurité et le dépouillement m'a semblé tout à fait réussi également.

Au niveau vocal, c'est une honnête routine: je suis surpris de la distribution de Vaneev en Pimène, déjà court dans les graves pour Boris, et qui aurait à mon sens avantageusement remplacé en Rangoni Ognovenko, bien dépassé par ce rôle de baryton insinuant. Ognovenko qui était bien plus à place précédemment en truculent Varlaam. Le récit de Pimène présentait ce soir une curiosité pour discophiles, puisqu'il voyait la confrontation du Boris de Gergiev en Pimène avec le Pimène d'Abbado en Boris.

Marina fonctionnelle et puissante dont le seul vrai défaut est le souvenir inoubliable de Borodina dans ce même rôle il n'y a pas si longtemps, Dimitri court d'aigu mais honorable, Chouiski usé mais convaincant, et un bien bel Innocent. Gaëlle Le Roi était un Fiodor juvénil et plaisant, et il est toujours plaisant de voir une Irina Bogatcheva continuer à arpenter les scènes dans un second rôle.

Reste Ramey. Le temps a passé sur la voix, et le vibrato devient plus présent. C'est néanmoins du bien beau chant, mais le charisme du chanteur dans ce rôle là ne convainc quand même pas tout à fait autant que celui de l'acteur. Question de timbre peut-être, pour un rôle ou Reizen, Christoff ou Ghiaurov nous ont habitué à plus de couleur.

Pour finir, j'ai apprécié la direction d'Alexander Vedernikov, retenue, âpre et analytique, rendant à merveille les couleurs très particulières et sauvages de l'orchestration moussorgskienne. Néanmoins le tout manquait peut-être un peu d'énergie et de flamme, et je ne disconviendrai pas que la Polonaise était bien peu dansante, voire un brin pachydermique. Cela dit, l'équilibre voix - plateau était toujours respecté et l'orchestre était d'une rare finesse.