Que dire du spectacle de Chéreau qui n'en a pas été dit? Chéreau met en scène les émotions amoureuses et leur donne comme cadre un théâtre, où chaque personnage se retrouve sous les feux de la rampe, comme à Broadway. Plus que les vertiges, Chéreau dépeint les feintes de chacun de ces personnages qui se croient plus fidèles, nobles, amoureux qu'ils ne sont, alors qu'ils nient leur moteur le plus évident, le plus humain, celui du désir brut. La scène de Chéreau trouve comme toujours l'éloquence de la description de chacune des émotions de chacun des personnages avec une science rare. Elle offre aussi des images de pur théâtre inoubliables, de la farandole des adieux à la communion finale où les six personnages se rassemblent en cercle pour surmonter ensemble l'épreuve qui les fera, peut-être, accéder enfin à la pleine empathie de l'autre; mais aussi un duo Dorabella-Guglielmo d'une sensualité insensée, ou encore un "Donne mie" inhabituel d'un Guglielmo bouleversé et désespéré, d'une colère mal contenue par la tristesse. Cette production ne serait-elle pas déjà d'ores et déjà un classique en devenir d'une oeuvre plus sensible et difficile à mettre en scène qu'on pourrait le croire?

Le sextuor de Garnier est le même que celui d'Aix. La Fiordiligi d'Erin Wall a indubitablement une voix mieux projetée que le timbre très léger ne pourrait laisser croire, mais peu de sensibilité vocale, alors que celle de l'actrice (le port du corps! le visage!) est indéniable. De Dorabella, Elina Garanca n'a ni le timbre de soprano attendu, ni vraiment la personnalité scénique et vocale. Et pourtant, dès qu'elle ouvre la bouche, la fascination est immédiate devant tant d'opulence, de beauté, de puissance: une vraie voix d'opéra, superbe et percutante, cela n'est pas si fréquent; elle surclasse aisément le reste du plateau. Shawn Mathey est un Ferrando fonctionnel, dégageant une certaine juvénilité, mais à l'italien hasardeux et à la grâce toute relative; comme à Aix, il omettra "Ah lo veggio". Stéphane Degout, magnifiié scéniquement par Chéreau, est un Guglielmo vocalement beau et au style impeccable, auquel manque juste dans la voix ce charisme qui lui fait scéniquement brûler les planches. De Ruggero Raimondi on admirera la présence incroyable qui l'impose sans mal en maître du jeu; la voix est usée aux deux extrémités et a du mal, plus d'une fois, à soutenir le souffle, la ligne de chant ou la simple justesse: pourtant l'artiste reste grand, surtout par une composition scénique époustouflante. Si Barbara Bonney présentait déjà des signes de fatigue en Zdenka au mois de mai au Chêtelet, l'écriture straussienne lui était plus favorable: sa Despina semble souvent en grande difficulté, particulièrement dans son "Una donna" aigre et savonné, mais aussi dans des récitatifs où seul brille encore un timbre qui fut autrefois sublime; quelques sifflets et huées tomberont même au rideau final pour cette prestation vocalement douloureuse.

Suite à la défection de Daniel Harding, Gustav Kuhn le remplaçait quasiment au pied levé. Le résultat est plutôt satisfaisant: quelques belles sonorités, malheureusement au prix d'une pâte orchestrale un peu épaisse et de tempi tendant à ralentir de manière insigne lors des airs.

Chaleureux applaudissements pour toute l'équipe et pour Chéreau, présent au rideau final, mais pas de rappel triomphal non plus. En fait, face à tels spectacle et soirée, pour tout dire, les applaudissements me sont apparus franchement chiches.

De retour de la création de Cardillac ce samedi 24 à l'Opera de Paris.

Cardillac était une totale découverte pour moi ce soir, je commencerai donc par en dire deux mots. Ecrite en 1926 pour un orchestre de musique de chambre élargi (une petite vingtaine d'instrumentistes), l'oeuvre dispose d'une dynamique rythmique fertile, évoluant entre gigantesque quatuor et passacaille, dans un flot musical étonnant, toujours très coloré, varié dans les détails mais assez constant dans le rendu, générant comme un effet hypnoptique. L'écriture vocale est très chantante, assez ardue parfois, toujours intéressante. Bref un bel opéra, dégageant une impression de masse et d'homogénéité saisissante, un peu comme une plaque d'or finement incrustée de pierres précieuses... parfaitement adaptée à cette histoire d'orfèvre ne pouvant renoncer à ses oeuvres.

La nouvelle d'Hoffmann est transposé à la date de création de l'opéra. L'aspect fantasmagorique qui peut naître d'une ambiance moyennâgeuse fantastique est donc entièrement absente de la mise en scène. Le hall de palace initial et final me semble complètement gratuit et dramatiquement débilitant (on se croirait dans une opérette, surtout lors de la première scène; sensation renforcée par la multitude de décorations dont est affublé l'officier de police), mais certains décors (la chambre, les toits de Paris) possèdent une dimension très "bande dessinée" colorée façon Marvel, non dénuée de merveilleux suggestif et de fascination visuelle. Les décors sont par ailleurs, sans juger de leur pertinence sur le fond, tout simplement somptueux. Le metteur en scène, André Engel, a été bien acceuilli au rideau final pour une production somme toute satisfaisante, même si tout le potentiel scénique, certain, de Cardillac n'a pas été complètement exploité, fantastique et atmosphère inquiétante en premier lieu.

Musicalement, le spectacle est parfait. Kent Nagano rend cette musique avec un naturel incroyable, sans emphase, toujours avec chaleur et rondeur, et un luxe de sonorités. Par ailleurs, je ne cesse de m'étonner et de me réjouir du niveau atteint par les pupitres de l'Opéra ces derniers mois: grâce en soit rendue à l'ensemble des membres de l'orchestre et aux chefs qui se succèdent à son estrade. Nagano et l'orchestre ont d'ailleurs receuilli les applaudissements les plus nourris et chaleureux de la soirée au rideau final. Vocalement, le plateau est d'une remarquable homogénéité et excellence. Alan Held dispense sa belle voix avec classe, style et mordant en Cardillac. Angela Denoke est absolument superbe en fille de Cardillac: voix puissante et belle, finement conduite, à la sensibilité certaine. Christopher Ventris, puissant mais lyrique, est un Officier vocalement superbe, très présent dramatiquement. Hannah Esther Minutillo est une Dame vocalement et dramatiquement superlative, alors que Charles Workmann était simplement parfait dans en Cavalier virtuose et élégant. Roland Bracht en vendeur d'or et Stephen Gadd en officier de police contribuent à l'excellence vocale de la soirée.

En résumé un superbe spectacle, présentant une mise en scène discutable dramatiquement mais somptueuse dans son rendu visuel, un orchestre et un chef en état de grâce, une distribution splendide, et surtout une entrée notable et passionnante au répertoire de l'Opéra.

Ce qu'il y a de formidable avec la Bohème, c'est que l'on a beau se dire que c'est la énième fois qu'on la voit, dès le lever du rideau ça marche. Et je pourrais dire la même chose de la production de Jonathan Miller - donnée ce soir dans sa 72ème représentation à l'ONP: cela marche encore, et superbement. Cela marche d'autant mieux que l'équipe de chanteurs est parfaitement investie dramatiquement. Sans être exceptionnels vocalement Frank Ferrari est un Marcelo charismatique et très présent, Alexander Vinogradov un Colline étonnamment jeune, et José Fardilha un bon Schaunard. Elena Semenova semble diviser: j'ai trouvé la voix très agréable, particulièrement expressive, et l'actrice très crédible. Angela Marambia a une voix d'une étoffe un peu épaisse et sombre pour Mimi, et les deux premiers actes la voient chauffer sa voix qui déploie au troisième acte une vraie intensité émotionnelle lors d'un Donde lieta usci très applaudi. Magnifiquement soutenue par le chef, Marambia offre enuite un quatrième acte d'une belle richesse musicale sans rien céder en humanité chaleureuse et émouvante.

Mais si cette soirée était d'une homogénéité notable, que ne laissait pas présumer a priori pourtant la distribution sur le papier, elle était avant tout pour moi l'occasion d'aller voir Rolando Villazon en scène, après son délirant récital au TCE en mars la saison dernière. La voix est superbe, l'émission fière et magnifiquement timbrée venant compenser un volume limité. Le chanteur, lui, est simplement divin, innondant la soirée de nuances superbes, du piano magnifique de la stagione dei fiori à la série de diminuendi ouvrant che gelida manina... le plus beau de tous étant le fabuleux diminuendo sur carezze au IIIème acte; comme tous les phrasés sont d'une tenue magnifique, et le legato parfois enivrant, j'ai ressenti un vrai parfum d'âge d'or! L'acteur est perpétuellement imaginatif et mobile, chien fou et drôle au I, avant d'atteindre à une sobriété et un naturel déchirant quand vient l'épreuve finale du IV. La voix suit cette composition dramatique de façon étonnante, pleine d'humour et de vie au I, pour finir par se dépouiller dans une sobriété d'un naturel désarmant lors du dernier duo avec Mimi, arrachant les larmes bien avant même que ne retentissent les derniers accords. Devant tant de beauté de la voix, tant de raffinement du chant et tant de vérité scénique, à plus d'un moment j'ai eu le sentiment d'assister à un véritable miracle comme j'en ai peu entendu, surtout pour ce genre d'emplois. Rolando Villazon est déjà un très grand, puissent les vents toujours lui être favorables! Chapeau bas, l'artiste!

La direction de Daniel Oren semble avoir divisé : je l'ai pour ma part beaucoup appréciée. Par une lecture très claire et aérée, sans pathos ni effets inutiles, Oren sait camper de magnifiques atmosphères, et en vrai chef d'opéra créer des dialogues particuliers avec les chanteurs souvent saisissants: son soutien de Marembia au III et au IV était aussi beau à entendre qu'à voir, dans le soin qu'il avait de lui indiquer ci et là intonations, entrées, nuances...Sous sa direction, la musique de Puccini coule de source, avec élégance et simplicité. Standing ovation de l'orchestre au complet pour son chef, qui les a fait applaudir, pupitres par pupitres comme lors d'un concert symphonique. Voila  un chef que j'espère que l'on réentendra bientôt.

J'en reviens mitigé, mais ce n'est certainement pas la faute de la production, absolument superbe du début jusqu'à  la fin.

L'oeuvre elle même me semble trop répétitive dans ses rythmes et procédés, et s'il apparaît parfois quelques idées sonores originales elles sont noyées dans la frénésie permanente. En deux mots, cela manque de ruptures de tons, d'anti-climats, et à  certains moments l'exhibitionnisme orchestral finit par être contre-productif. Ce n'est pas du meilleur Chostakovitch, loin s'en faut: la maturité viendra plus tard.

En ce qui concerne l'interprétation, le plateau vocal est superbe: c'est un défilé de voix toutes parfaitement maîtrisées, belles et homogènes, y compris pour les rôles comme le gendarme ou la femme du barbier, installés de manière permanente dans le suraigu. A croire que le Marinski est un repaire inépuisable de voix d'exception: sans doute ce soir sur le plateau étaient présents des vedettes en puissance des prochaines années, tels les Chernov ou Borodina qui en sont issus. On dira ce que l'on veut, mais le système de troupe demeure quand même fertile... L'orchestre du Marinski est irréprochable, et Gergiev mène le tout tambour-battant, sans pour autant perdre l'équilibre avec le plateau.

La mise en scène est riche, animée, colorée, inventive aussi, et toujours en phase avec la musique. Bref une bien belle production d'une oeuvre fort originale mais pas nécessairement géniale: ses principales qualités me semblent plus sûrement issues de Gogol que de Chostakovich.

C'est avec une émotion certaine que j'ai vu le rideau tomber ce soir pour cette dernière de Tristan. Je n'ai guère envie d'en faire un compte-rendu détaillé, tout à  été déjà dit sur la production et le plateau musical de cette reprise, et c'est surtout un adieu ému que je souhaite faire à ce spectacle.

Ce Tristan m'aura été un émerveillement depuis la première de la saison dernière à  la dernière de cette saison, et un compagnon fréquent de rêverie tous ces mois, et sans doute pour longtemps encore. Rarement un spectacle m'aura autant fasciné, et c'est avec bonheur que j'assistais ce soir à ma sixième représentation de cette éblouissante production. A défaut d'égaler la splendeur et les sommets musicaux d'avril, les représentations de cette saison auront remémoré toutes ces émotions.

Je me souviens encore avec émotion de la découverte de ces images les premières fois, de l'orchestre hypnotique de Salonen, de Waltraud Meier fascinante, d'un Franz-Josef Selig en état de grâce, du lyrisme d'Heppner, de la beauté saisissante des premières notes de Toby Spence... Je me souviens aussi de ces entractes ou quelques uns d'entre nous se retrouvaient en apesanteur, stupéfaits à  l'issue du I, bouleversés à la fin du II, hors du monde pour de longues heures à la fin du spectacle.

Aucune reprise de la production Sellars/Viola ne semble prévue à ce jour. Espérons que Gérard Mortier la reprogramme d'ici son départ, ne serait-ce que pour commémorer ce qui restera sans doute comme une de ses grandes réussites. Espérons aussi que Salonen sera de cette reprise, car quelles que soient les qualités de Gergiev les représentations de cette saison m'ont semblé montrer que Salonen était indissociable de Viola et de Sellars (du propre aveu de ce dernier). Espérons enfin que la distribution soit aussi éblouissante que lors du printemps dernier, avec, pourquoi pas, les débuts de Stemme à l'ONP.

Si jamais ce spectacle ne devait plus exister que dans nos mémoires, je tiens à  adresser ma plus grande gratitude à Sellars, Viola, Salonen, Meier, Heppner, Selig, Spence pour la beauté de ces instants et le bonheur du souvenir, ainsi qu'à Gérard Mortier de les avoir invités. Et merci également à l’équipe de cette année pour avoir fait revivre cette production inoubliable.

Encore merci, merci, merci.