Si l'interprétation de Ben Heppner est d’une constante qualité, je marque quand même une certaine déception à l'écoute de ce nouveau récital du heldentenor canadien. Si son Siegmund est ténorisant, dans la lignée d'un Torsten Ralf ou d'un Franz Völker, il n'en demeure pas moins que ce beau chant est relativement peu imprégné de la puissance expressive que nécessite le rôle. Les trois extraits du premier acte de Walküre se transforment ainsi en un beau cycle de lieder dramatiquement creux. Et le Walhall sait à quel point le ton héroïque et l'urgence sont fondamentaux pour le personnage. Siegfried le trouve plus convaincant car peu ont eu cette facilité vocale, et parce que la voix se prête sans doute plus par sa juvénilité à caractériser le fils que le père. Heppner est sans doute à son meilleur dans le lyrisme de la fin du deuxième acte et de la découverte de Brunnnhilde endormie, où il fait simplement merveille. La propension à rouler les r, déjà notée dans Florestan au Châtelet, devient parfois assez envahissante, d'autant plus que c'est là la seule scorie d'un chant qui brille avant tout par la pureté de la ligne et la beauté de l’émission.  Force est de reconnaitre pourtant que Siegfried n'a sans doute jamais été mieux chanté depuis Lauritz Melchior.  Peter Schneider procure un bel accompagnement orchestral à la tête de la Staatskapelle Dresden, et Burkhard Ulrich procure en Mime une belle réplique à Heppner. 

Au dela de la prestation de Ben Heppner, j'ai deux réserves artistiques à poser sur le programme. Primo, un autocollant sur le CD programme qu'il s'agit de "Siegfried's life" (même en Allemagne ce CD serait-il en import des USA?): pourquoi nous imposer le Rheinfahrt et la Trauermusik, alors que le récit final de Siegfried "Mime hiess ein mürrischer Zwerg" aurait été pour le même minutage bien mieux venu et plus intéressant. Franchement, qui se passionnera pour l'interprétation, certes honorable mais fort dispensable, de Peter Schneider? Secondo, et péché bien plus grave, l'ajout du Rheinfahrt, qui brise le bel enchaînement possible de la fin du "Seliges Öde" avec la mort de Siegfried sur le leitmotiv du Réveil. James Conlon et Ben Heppner, justement, les avait magnifiquement enchaînés à Bastille lors d'un concert il y a quelques saisons de cela.

Je rappelle l'existence du CD EMI de Domingo contenant peu ou prou le même programme, Siegmund en moins mais le duo du Prologue de Götterdämmerung avec Violetta Urmana et le dialogue avec le Waldvogel de Natalie Dessay en plus. Moins bien chanté sans doute, mais autrement plus habité et moderne dans la conception du rôle du jeune Wälsung.

Joseph Keilberth reste un grand wagnérien, mais son Rheingold ne trouve pas en 1955 la fabuleuse beauté formelle de sa Walküre ni la vigueur si naturelle de son extraordinaire Siegfried. C'est une belle direction, très équilibrée... mais cela manque de souffle pour le prologue qui plus encore que les journées suivantes aspire à un climat légendaire.

Légère déception également au niveau du cast. Ludwig Weber est vraiment à bout en Fasolt, Herta Wilfert reste seulement Herta Wilfert en Freia (Brouwenstjin et Grümmer suivront...), et Toni Blankenheim reste le Donner solide mais prosaïque déjà bien connu des autres années. Surtout, Gustav Neidlinger est pris ici dans un très mauvais soir. Le grave s'échappe, et la voix n'a pas l'ampleur habituelle: le baryton tente de compenser en surjouant vainement son texte, mais les métamporphoses seront sans mystère et la malédicition de l'anneau sans charisme. Les Rheinmädchen sont plutôt grincantes et sans charme ni beautés: on comprend qu'Alberich cède plus facilement à l'Or. La bonne surprise vient du Loge de Rudolf Lustig, beaucoup plus buvable que son Erik de la même année: voix mâle, caractérisation malsaine et charnue, pas toujours bien chantante: inutile bien sûr d'en attendre la musicalité, le lyrisme et la verbalisation haute en couleur d'un Windgassen. Tout le reste, du Mime de Paul Kuen, à la Fricka de Milinkovic, en passant par le superbe Froh de Josef Traxel ou bien encore le Fafner de Josef Greindl demeure du plus beau niveau du Neues Bayreuth, et, Hans Hotter, magnifié par la prise de son, est superlatif de beauté de voix, de présence.

La prise de son est variable, quelques passages marquant pendant une grosse dizaine de secondes des pertes sensibles de dynamique, et toute la scène du Nibelheim est prise d'un souffle, très Nacht und Nebel, envahissant des plus pénibles (sans doute les perturbations de l'appareillage électronique simulant les enclumes). Pour le reste, elle reste globalement d'un niveau inégalé pour le Neues Bayreuth, voire pour un live de cette période là: stéréo chaleureuse et fine, profonde et incroyable de relief pour les voix et l'étagement des plans sonores, et flattant des cordes simplement magnifiques. Pas nécessairement un Rheingold inoubliable, mais un Rheingold indispensable car pièce d'un Ring des Nibelungen qui s'affirme dans sa globalité comme le classique par excellence du Neues Bayreuth, par son cast, son équilibre général, et une prise de son qui lui confère une vie, une présence unique parmi les témoignages des années voisines.

Vivement Götterdammerung, Testament nous fait de toute façon là un cadeau superbe... et continue à nous le faire payer chèrement, soit dit en passant (39€ en prix vert les deux CD à la FNAC).

La critique semble faire grand cas du Knaben Wunderhorn de Herreweghe, lui prêtant la vertu d’enfin révéler la véritable nature de l’ouvrage. J’en ai trop peu entendu et dans de trop mauvaises conditions sonores pour juger définitivement du fond de cette assertion. Je m’étonne par contre que la version de Riccardo Chailly n’ait pas plus durablement marqué les esprits. A contretemps de l’actualité discographique, je souhaite lui faire un peu de publicité.

La discographie des Knaben Wunderhorn s’est longtemps présentée écartelée entre deux pôles esthétiques radicalement opposés : les versions Prohaska et Szell. Les partisans de la première ont toujours loué la gouaille et l’expressivité immédiate de Heinz Rehfuss et Maureen Forrester, magnifiques chanteurs osant le ton naturel et simple que requièrent ces textes ; la direction de Felix Prohaska alerte, simple et directe est en parfaite harmonie avec ses solistes.  Szell, Elisabeth Schwarzkopf et Dietrich Fischer-Dieskau impriment à ses lieder une atmosphère toute différente, d’une sophistication extrême, soucieux avant tout de détailler cette musique et ce texte en orfèvres. Les premiers accuseront la version Szell de trahir l’oeuvre  par une sophistication traître à son propos et son esprit, les seconds objecteront que la version Prohaska ne déploie pas le raffinement subtil propre à l’écriture mahlérienne. En vérité, si Forrester et Rehfuss incarnent les personnages de chacun de ces lieder, Schwarzkopf et Fischer-Dieskau s’inscrivent plus en narrateurs de ces mêmes numéros (ce que souligne le choix étrange de les faire dialoguer parfois au sein d’un même numéro). Ces deux optiques très fortes ont toujours éclipsé, assez injustement selon moi, la belle médiation réussie par Bernstein plus tard avec Christa Ludwig et Walter Berry ; a contrario, Abbado échouera sur les deux tableaux dans une version que je trouve pour ma part aussi terne expressivement que musicalement sans cachet aucun. Par des options a priori curieuses mais entièrement justifiées et finalement irrésistibles, Riccardo Chailly me semble avoir mis fin au débat.

La surprise immédiatement frappante de cette version est dans sa distribution : non plus deux chanteurs, mais quatre, choisis selon la tonalité et les préférences usuelles de distribution mahlériennes quant au sujet traité. Dans les faits cela revient à laisser Urlicht à une mezzo-soprano (Sarah Fulgoni) et Revelge à un ténor (Gösta Winbergh), une soprano (Barbara Bonney) et un baryton (Matthias Goerne) se partageant plus traditionnellement les autres numéros.

Premier bénéfice de ce choix, une voix de ténor percutante et vaillante impose de manière marquante un Revelge d’une netteté et d’une urgence impossibles à un baryton. Mais l’élément le plus marquant de ce disque reste un orchestre dont la configuration est non seulement très réduite dans ses cordes (vents et percussions gardant leurs effectifs respectifs  habituels), mais également adaptée séparément à chaque lied. L’écoute s’en trouve entièrement renouvellée, captivante par le luxe de détails instrumentaux offerts, une variété permanente et, bien sûr, la plénitude sonore du Concertgebouw, orchestre aussi raffiné de ton que somptueux de pupitres; et mahlérien de longue date, bien sûr. Surtout, cette réduction offre une mobilité expressive de l’orchestre en parfaite adéquation avec le ton de ballades propre à l’œuvre, sans jamais se départir d’un raffinement tout mahlérien. Les optiques de Szell et Prohaska ne sont pas ici réconciliées, mais transcendées par un choix musicologique basé sur la reproduction de l’effectif choisi par Mahler lors des Liederabend de 1905 donnés dans une salle réduite du Konzertverein (la Brahmssaal) : la splendeur des Wiener Philarmoniker conjuguée à l’éloquence d’un effectif de cordes significativement réduit. La volonté de Chailly de redistribuer les numéros dans un ordre différent de celui traditionnellement proposé concourt également au sentiment de renouveau sans cesse captivant offert par cet orchestre.

Les deux chanteurs principaux sont à l’image des options orchestrales de Chailly : voix somptueuses de timbres, légères et mobiles, se réinventant pour chaque nouveau lied dans un ton différent voire une identité tout à fait nouvelle, incarnées sans excès et dans un raffinement de chant permanent. Il me faudrait détailler chaque lied pour rendre palpable le degré d’imagination de Goerne et Bonney. Tout juste noterais-je pour Bonney des souffles parfois coupés. Goerne est quant à lui une leçon permanente, détaillant chaque mot comme nul autre sans jamais que cela ne sonne affecté. Winbergh est simplement glorieux de beauté et de sobriété vaillante dans un Revelge qui porte l’uniforme avec élégance. Fulgoni ne saurait se comparer bien sûr à Forrester ou Ferrier dans Urlicht, mais peu importe : cela demeure magnifiquement chanté, et l’intérêt de l’orchestration originale du lied (retravaillée pour Résurrection) emporte tout. Un très grand disque.  

Discographie abrégée (versions citées, toutes disponibles en CD)

- Felix Prohaska ; Symphonique de Vienne ; Maureen Forrester, Heinz Rehfuss (Vanguard)
-  George Szell, Philarmonia Orchestra, Elisabeth Schwarzkopf, Dietrich Fischer-Dieskau (EMI)
- Leonard Bernstein; Philarmonique de New-York; Christa Ludwig, Walter Berry (CBS)
- Claudio Abbado; Berliner Philarmoniker; Anne Sofie von Otter, Thomas Quasthoff (DG)
- Riccardo Chailly; Concertgebouw Orchestra; cf. ci-dessus(Decca)
-  Philippe Herreweghe; Champs-Elysées; Sarah Conolly, Dietrich Henschel (Harmonia Mundi)

Quelle belle Marschallin que celle de Grümmer, singulière, angélique, qu'on imagine blonde et catholique, d'un naturel, d'une douceur, d'une pureté quasi enfantine qui en fait l'antithèse absolue de Schwarzkopf ! Son début de premier acte n'a pas une trace de coquinerie, mais une féminité délicate très surprenante: cette maréchale est bien jeune... Et son ja, ja final est d'une douceur caressante, d'une pudeur ineffable... Sans doute pas mon idée de la Maréchale, mais comme pour l'Elettra de la divine Grümmer, on rend les armes devant le contre-emploi! Quant au chant que dire si ce n'est que c'est Grümmer en 1959: la voix est sublime, la ligne aérienne (la délicatesse de Die Zeit die ist ein sonderbar Ding! ce Hab mir's gelobt qui commence tel un des quatre derniers lieder!)... de toute façon c'était la plus belle voix du monde!

Le reste est plus anecdotique. Kerstin Meyer a beau avoir une voix superbe et une réelle présence (vocale surtout), j'ai trop d'Octavian dans les oreilles pour la trouver marquante. Lisa Otto est sans grâce, et sonne infiniment pâle et vieillie par rapport à Grümmer (un comble!). Josef Greindl n'a plus d'aigus, et traîne sa voix de Hagen sans une once de classe... et les sifflements et effets de la fin du II relèvent d'un goût plus berlinois que viennois. Quant au maestro Varviso, c'est d'une lourdeur infinie, martelée, sans envol... même la valse d'Ochs se termine en bourrée auvergnate.

Quelques mots sur la qualité sonore assez difficile du document: son sourd, saturé dès le forte (voix incluses), instable et peu propre (les vents pleurent inexorablement, le hautbois en premier lieu). Bref, entre la qualité sonore et l'entourage de Grümmer, un document pour les fous de la divine Elisabeth qui, comme moi, ne sauraient vivre sans toute pièce de son trop maigre leg. A ceux là je rappelle également l’existence d’une sélection Electrola qui voit Grümmer en Octavian cette fois-ci, face à la Maréchale encore trop jeune de Leonie Rysanek. 

Je m'étais juré de ne pas m'adonner à ce pur produit du marketing, et bien voilà c'est fait, je l'ai acheté hier. Jusqu'ici les intégrales wagnériennes de Placido Domingo ne m'avaient pas du tout convaincues, ne serait-ce Lohengrin, partiellement... sans pour autant que j'en oublie bien d'autres ténors que je préfère nettement dans le rôle.

Ce coffret a l'énorme avantage de ne pas reposer entièrement sur les épaules de Placido Domingo. D'abord Nina Stemme, qui si elle ne soutient pas l'attention de bout en bout, démontre des frémissements, des splendeurs, une jeunesse surtout, absolument magnifiques. Bien sûr elle n'est ni torche comme Mödl, ni furie amoureuse comme Traubel, ni pur mythe comme Flagstad, mais tant de délicatesse dans la voix, tant de charme se dégagent de ce vibrato frémissant, juvénile et sensible... On attend avec impatience ses nouveaux enregistrements wagnériens, cette Isolde me semblant déjà autrement plus intéressante que ses Wesendonck-Lieder pourtant loués par la presse. Rene Pape n'est pas une découverte, et sa voix de violoncelle est d'une classe indéniable: du très beau chant, mais l'émotion y est un peu absente par rapport aux plus grands, ou même simplement comparé au déchirement bouleversant que mettait Selig à la Bastille. Olaf Bär est une excellente surprise: je craignais un peu son Kurwenal, mais il est aussi bien chantant que dramatiquement présent. Mohiro Fujimura est une Brangäne à la voix claire et jeune, superbe, idéalement accordée à Stemme: j'ai hâte de l'entendre en Fricka au Châtelet. Si Ian Bostridge est un beau pâtre, le luxe de Rolando Villazon en Marin ne me semble pas particulièrment notable, là où Schock avec Furtwängler ou Schreier avec Kleiber posaient d'emblée une ambiance inoubliable.

J'ai dit plus haut à quel point les incarnations wagnériennes de studio de Placido Domingo m'ont laissé froid: Walther sans allemand, Tannhäuser débraillé, Parsifal étrange... seul son Lohengrin m'avait paru digne de référence, quoiqu'un ton net derrière les Melchior, Konya ou Thomas d'hier, voire des Seiffert ou Heppner d'aujourd'hui. Son Tristan, si avancé dans sa carrière, me semble par contre étonnant de simple chaleur, de jeunesse, de sensualité tendre et délicate après tant de Helden barytonnant et gris de voix. Un Tristan marquant de ton, cela devient rare, et c'est ce que me semble réussir Domingo: là où Melchior était légendaire, Vinay brûlant, Windgassen bouleversé, Vickers poète, Domingo est simplement amoureux et jeune. Le timbre, somptueusement enregistré, est caressant, la voix étonnamment solide, et tout reste d'une superbe musicalité, les délires du III rendus sans scorie comme une infinie mélodie d'une somptueuse beauté tout en legato. Vraiment du grand art !

Antonio Pappano est soucieux avant tout de rendre la partition telle qu'elle est, lisible et sans parti pris. C'est très bien léché, parfois agréable, malgré la tendance au fortissimo un peu envahissante, surtout au point culminant du duo d'amour. Agréable mais pas mythique pour deux sous, là où Karajan, Furtwängler, Böhm ou Berntein nous ont invité à de tout autres sortilèges... Pourtant, l'orchestre de Pappano  un écrin adapté à la chaleur et à la jeunesse de Stemme et Domingo, tous deux idéalement assortis, créant une unité de ton que ne déparent pas Pape, Bar, Fujimura, Bostridge et Villazon. C'est là un Tristan und Isolde dans le fond très personnel et singulier, très original, avant tout guidé par une musicalité lyrique et chaleureuse. Et si c'était là un Tristan romantique, mais d'un romantisme tout méditerranéen, sensuel, simplement amoureux, tendre et dont la gravité n'est qu'humaine sans once de métaphysique? Quoi qu'il en soit un bien beau disque, auquel manquent pourtant les vertiges de la scène et les déchirements des amants.